Sketchbook Quartet

El Sketchbook Quartet, integrado por: Leonhard Skorupa - saxofón, clarinete, sintetizador, samples, Andi Tausch - guitarra, Daniel Moser - clarinete bajo, FX y Konstantin Kräutler – batería, se caracterizan por un sonido fresco, potente e inconfundible. Aunque enraizado en el jazz tradicional, el grupo de cuatro integrantes incorpora sin temor  influencias de diversos ámbitos en sus composiciones. El espectro estilístico se extiende desde el straigth-ahead-jazz hasta el surfrock. Después de su exitoso álbum debut Ottos Mops, el cuarteto recientemente lanzó su segundo álbum con el título When Was The Last Time Vol 1, que se publicó en el Session Work Records. 

Sus integrantes son:
Konstantin Kräutler empezó a tocar la batería a la edad de doce años. Como alumno, participó en conjuntos de varios estilos. Estudió percusión en los cursos de enseñanza Diplom e IGP, y completó ambos estudios con distinción. Durante su formación en Viena, realizó varios viajes de estudio, como por ejemplo con Drummers Colectivo en Nueva York. Ganó una beca en el Berklee en Umbria Jazz Clinics para el Berklee College of Music. Ahí se preparó con profesores como Yoron Israel, Hal Crook, Jon Hazilla o Alain Mallett. Hasta hoy en día, ha dado conciertos internacionales en varias formaciones y estilos, entre otros en Nueva York, París, Bruselas, Bratislava y Milán), y ha grabado internacionalmente en Italia, Bosnia y Austria. Actualmente es profesor de percusión en la escuela de música del municipio de Groß-Siegharts. Vive y trabaja en Viena, y participa activamente en proyectos de diversa índole, y trabaja entre otros con Sketchbook Quartett & Orquestra, Owsl, S.O.D.A., y el Max Brand Ensemble.
Leonhard Skorupa nació en Viena, en 1988, y estudió saxofón con Klaus Dickbauer en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena. Participó en el programa de jazz New York comes to Groningen, del Conservatorio Prins Claus de los Países Bajos en el marco de una estancia Erasmus, donde se preparó con Michael Moore. Asistió a talleres y tomó lecciones con Andrew D'Angelo, Matt Wilson, Lew Tabakin, George Garzone, Don Braden, Mark Grande, etcétera. Skorupa vive y trabaja en Viena como músico, compositor y arreglista con numerosos artistas, grupos y músicos de la escena musical internacional. Ganó varios premios y recibió varias becas. Está asociado con el Sketchbook Quartet, es ganador del Central Europe Jazz Competition, y ha dado conciertos internacionales con varios grupos en festivales en Bergen, Tokio, South Tirol Jazz, Maastricht, Bremen, entre+ otros.
Daniel Moser estudió la maestría IGP saxofón de música popular en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena, en la que se graduó en 2013 con distinción, bajo la dirección de Klaus Dickbauer y Wolfgang Puschnig. Da clases elementales e instrumentales en escuelas primarias en Austria, y también imparte diversos talleres de música sueca con Stina Rosén, además de música bailable europea, y talleres para flauta de madera irlandesa. Es miembro en varias bandas, entre otras, Woody Black 4, cuarteto de clarinete bajo, de jazz moderno y con excursiones ocasionales al mundo contemporáneo del jazz; en el Sketchbook Quartett, de jazz moderno con su impacto musical en el mundo cinematográfico; el Monn Turonn, que interpreta progressive World Music con raíces mediterráneas, y Landor, de corte más tradicional y de nueva composición europea.  Ha sido invitado a diversos festivales internacionales de jazz, como el de Tokio, Budapest, Sziget, Scarborough,  Estambul y Bergen.
Andi Tausch nació en 1984, en Innsbruck. Su trayectoria musical comenzó durante sus años de escuela primaria, primero con el violín, y luego con la guitarra y el contrabajo clásico. Siguió con un curso de jazz y música popular de tres años con su instrumento principal, la guitarra, con Martin Nitsch en el Conservatorio de Innsbruck. Se matriculó en la Escuela Superior de Música de Basilea, en el Departamento de Jazz con el guitarrista austriaco Wolfgang Muthspiel. En 2007 se trasladó a Viena, donde trabaja desde entonces y donde obtuvo una maestría en 2009 en el Conservatorio de Viena. Uno de sus principales proyectos es, sin duda, The Flow. Junto con el muy aclamado pianista Martin Reiter, crea dicho cuarteto junto con Jojo Lacker (bajo) y Peter Kronreif (batería) creando un intenso mundo sonoro en el campo de la tensión entre el jazz, rock, groove y el pop. En el otoño de 2013, Andi Tausch lanzó su álbum debut At Home en Material Discs, que fue escrito enteramente por él. Ha participado en diversos festivales internacionales de jazz entre otros, en Londres, Nueva York, El Salvador, Tokio, Madrid, Bucarest, Berlín, Zúrich y Pekín. 
 

Angelika Niescier

Es una artista destacada, quien desde hace algún tiempo está redefiniendo los contornos de la escena europea del jazz: una artista en misión, con una energía desbordante, una rica paleta de colores y una técnica virtuosa. Nacida en Polonia, vive actualmente en Colonia y estudió en la Folkwang Hochschule de Essen. Como directora de orquesta y compositora ha recibido algunos de los premios más prestigiosos, como el WDR Jazzpreis, el Albert-Mangelsdorff-Preis the Echo Jazz; dos veces, el Vierteljahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik, y fue la primera improvisadora residente en Moers (Alemania), así como residencias en Kuala Lumpur y Tarabya (Turquía). Además, trabaja para emisoras de radio y televisión como Bayrischer Rundfunk, WDR, radio Bremen, SWR y HR, así como para RBB. Como músico de renombre internacional, viaja a innumerables países e interpreta su música en festivales de renombre como el Winter Jazzfest de Nueva York, unerhört,  Zürich Jazz Festival, Vancouver International Jazz Festival, Jazzfest Berlin, Jazzfest Molde, Elbphilharmonie, Philharmonie Berlin y Philharmonie Essen. Representa musicalmente a su país en diversos escenarios de todo el mundo. Trabaja con algunos de los grandes nombres de la escena musical internacional, como Joachim Kühn, Tyshawn Sorey, Kris Davis, Gerry Hemingway, Nasheet Waits, Tomeka Reid, Jim Black, Sylvie Courvoisier, Ralph Alessi, Ernie Watts, Aki Takase, Soweto Kinch, Julia Hülsmann y Gerald Cleaver, por citar sólo algunos. Niescier tiene un deseo desenfrenado de desarrollo e intercambio artístico, que hace que su viaje musical sea rico en encuentros inspiradores y desemboque en obras para y colaboraciones con danza, orquesta y coro, cine y teatro.

Séamus O Flatharta

Nacido en el seno de una familia de músicos, Séamus O Fhlatharta es natural del pueblo de An Áird Mhóir, en la región de Gaeltacht de Connemara, condado de Galway. Conocido por su canto tradicional sean nós junto con su hermana, Caoimhe Ní Fhlatharta, Séamus es un multiinstrumentista y campeón absoluto del Fleadh de Irlanda con el arpa. 

Es un bailarín irlandés consumado, quien mantiene la lengua y la herencia irlandesas en el centro de todos sus esfuerzos musicales. Su actuación en el programa de televisión Late Late Show, con su hermana Caoimhe en 2022, con el conmovedor lamento de Anach Cuain, cautivó a la nación, y se hizo viral en todo el mundo. 

Está estudiando una licenciatura en lenguas aplicadas, que incluye el irlandés, en la Universidad de Limerick, y acaba de publicar su primer EP titulado Séamus & Caoimhe.
 

Siobhán Armstrong

Es intérprete, directora artística, académica, educadora apasionada y una de las pocas arpistas europeas que explora el repertorio anterior a 1800, con reconstrucciones de arpas medievales y barrocas. Actúa y graba con muchos de los solistas y orquestas de música antigua más prestigiosos de Europa (Les Arts Florissants, París; The Academy of Ancient Music / Orchestra of the Age of Enlightenment / Florilegium London; Akademie für Alte Musik, Berlín) en lugares como Wigmore Hall, Londres; Concertgebouw, Ámsterdam; Zankel Chamber Music Series en Carnegie Hall, Nueva York; Izumi Hall, Osaka; y ha grabado con Deutsche Grammophon, Sony y Virgin Classics, entre otros.
Dentro de la música autóctona irlandesa, Armstrong es inusual al situarse en el punto de encuentro entre la práctica interpretativa “histórica” y la “tradicional”, explorando el repertorio, el lenguaje y las técnicas de interpretación del arpa antigua irlandesa, encordada con alambres de latón, que floreció antes de 1800.
Como directora fundadora de la Sociedad de Arpa Histórica de Irlanda, encabeza un redescubrimiento internacional más amplio del arpa irlandesa antigua y sus tradiciones. Su doctorado (Londres, 2020) ha desvelado nueva información sobre la práctica interpretativa del arpa irlandesa en el siglo XVIII. El CD de debut de su conjunto, The Irish Consort, Music, Ireland and the Sixteenth Century, fue una de las cinco mejores grabaciones internacionales de música clásica del Irish Times en 2021. 
Siobhán es una música versátil que se siente a gusto interpretando ópera del siglo XVII en algunos de los teatros de ópera más prestigiosos del mundo [Royal Opera House, Londres; Teatro Real, Madrid; Ópera de los Países Bajos, Ámsterdam], actuando como solista en la banda sonora de una película de Hollywood (El mercader de Venecia, de MGM, con Al Pacino) y actuando en algunos de los festivales de música tradicional más conocidos del mundo [Lorient, Francia; Pan Celtic, Irlanda; Celtic Connections, Escocia].

Francesco Tristano

“La música es música”. Esto es lo que Alban Berg le respondió a George Gershwin en París durante la primavera de 1928, sobre por qué no había distinción entre lo que consideramos música “culta” o música “popular”. Francesco Tristano ha reafirmado esta cita durante la última década con su obra; combinando piano y sintetizador, entre las partituras de Johann Sebastian Bach -y también de Frescobaldi, Berio, Buxtehude, Stravinski y Gershwin, entre otros- y las herramientas de producción y secuenciación más nuevas. 

Francesco Tristano es un artista de muchos talentos: pianista, compositor, músico de techno y jazz, que combina épocas, géneros y estilos en su música. Se ha convertido en una referencia clave en un nuevo movimiento que explora la intersección creativa entre la música clásica y la electrónica, homogeneizándola de una manera natural que une audiencias de varios mundos en su propio universo. Tristano colabora a menudo con nombres importantes en diferentes géneros como Derrick May, Carl Craig y Michel Portal, por nombrar algunos.

En 2017, comenzó su colaboración con Sony Classical, centrando sus esfuerzos en publicar su propio trabajo en una nueva etapa como artista discográfico. Mientras seguía recorriendo el mundo, tanto como pianista como artista electrónico, actuando en salas de conciertos y festivales de música experimental y dance, volvió al piano como herramienta de creación en Piano Circle Songs (2017), una colección de canciones que evocan su interés por los compositores impresionistas franceses. En su más reciente álbum, Tokyo Stories (2019) rinde homenaje a Japón, y plasma las atmósferas y vivencias acumuladas a lo largo de los años visitando el país como artista y sumergiéndose en su cultura. Vuelve a su primer amor para su más reciente álbum, lanzado en febrero de 2022, On Early Music, donde presenta obras renacentistas y barrocas tempranas con sus propias piezas para piano de inspiración barroca. El disco presenta música de Girolamo Frescobaldi, Orlando Gibbons, John Bull y Peter Philips.

Y aun, al borde del horizonte, sigue tomando forma el gran proyecto de vida de Francesco Tristano, el que nunca abandonará: grabar el repertorio completo de Bach de Johann Sebastian. Como dijo Berg, “la música es música”, y Bach siempre estará ahí porque fue el único creador que la trascendió.

Rami Khalife

Rami Khalifé nació el 25 de septiembre de 1981, del músico Marcel Khalifé y la vocalista Yolla Khalifé, en medio de la guerra civil en Beirut, Líbano. Si bien es mejor conocido por su reinvención de los clásicos, Rami Khalifé, quien se graduó de la prestigiosa Escuela Juilliard de Nueva York, se presentó como solista junto con algunas de las orquestas más premiadas del mundo, incluidas la Orquesta Globalis, la Orquesta Filarmónica de Qatar y la Orquesta Filarmónica de Liverpool. 
Rami Khalifé ha realizado numerosas giras por Estados Unidos, América del Sur, Asia, Canadá, Europa, Australia, en lugares como el Kennedy Center (Washington, EU), la Ópera de Sídney (Sídney, Australia), la Ópera (Doha, Qatar), Place Des Arts (Montreal, Canadá), Dar el Opera (Damasco, Siria), Queen Elizabeth Hall (Londres), Salle Pleyel (París, Francia) y Palacio de la Unesco (Beirut, Líbano).
El trabajo de Rami Khalifé es tan ecléctico como audaz, y va desde conciertos improvisados, la grabación de un concierto de Prokofiev hasta la interpretación con Marcel Khalifé. También compuso obras contemporáneas para orquesta, produciendo bandas sonoras para películas y documentales, sólo para cambiar todo con su clásico grupo de electro Aufgang.
Su obra incluye dos conciertos para piano, un réquiem, un concierto para violonchelo y varias piezas orquestales, incluida “Tunnel to the Moon”, todas las cuales estrenó con la Orquesta Filarmónica de Qatar. También fue comisionado por la orquesta de cámara de Filadelfia para escribir su nueva pieza “Stories”, que se interpretará a finales de año. En 2016, lanzó simultáneamente dos nuevos álbumes Turbulences con Aufgang y Stories con QPO Orchestra.
Anunciado como un “músico de calibre extremo y expresión pura... Una bienvenida experimental desviada de la norma actual y en el mundo relativamente conformista de la composición clásica... es positivamente nuevo” por el Daily Star, no es de extrañar que Rami Khalifé haya surgido como uno de los compositores jóvenes más emocionantes del siglo XXI.
 

Sara Parkman

Es una cantante de música folk conocida por cuestionar y abrazar las tradiciones de una forma tan descarada y a la vez reflexiva que podría decirse que ha creado su propio universo musical y que, al hacerlo, se ha convertido en el gran nombre de la música folk sueca contemporánea. Gracias a sus tres aclamados álbumes en solitario, es de esperar que su música se escuche desde las profundidades neblinosas de los bosques nórdicos durante las fiestas rave nocturnas e igualmente esperado es, verla actuar en directo en populares programas de televisión.
Cuando su último álbum, Eras Agape Philia, salió a la venta en octubre de 2022, recibió críticas abrumadoras. El álbum se convirtió en el gran éxito de Sara Parkman, fue galardonado con un Grammy sueco y ocupó los primeros puestos de la lista de éxitos del periódico sueco Dagens Nyheter durante nada menos que cinco semanas.
A lo largo de los años, Sara Parkman ha sido galardonada varias veces y, además del éxito del álbum, ha realizado varias giras con todas las entradas agotadas y también se ha presentado el programa de televisión Jill's Veranda en Nashville.
https://orcd.co/parkman
https://www.saraparkman.se/
https://www.instagram.com/parkiz/
https://www.facebook.com/saraparkman/

Tuva Syvertsen

Es una aclamada cantante y músico noruego de hardingfele, más reconocido por ser la figura principal de la banda noruega Valkyrien Allstars. La banda publicó su disco homónimo en 2007, rápidamente se convirtió en disco de oro. Desde entonces ha continuado explorando y desafiando el uso de instrumentos tradicionales y la antigua música noruega en una expresión contemporánea. La agrupación ha sido excepcionalmente activa y a lo largo de 10 años de persistente actividad concertística se ha desarrollado hasta convertirse en una banda sólida y juguetona, que nunca da dos conciertos iguales. Syvertsen también ha participado en otras grabaciones con colaboradores musicales como Rannveig Djønne, Aasmund Nordstoga, Rita Engedalen y DumDum Boys, por nombrar algunos. Con su larga y polifacética carrera, Tuva Syvertsen es una de las artistas más interesantes de la música folk nórdica.

ECHT!

ECHT! encarna la renovación de una escena jazzística europea que no deja de sorprender por su capacidad para reinventarse. Este cuarteto instrumental y futurista se inspira en la música electrónica (de Aphex Twin a Dorian Concept), así como en el hip hop, el trap y el funk.

Chloe Thévenin

Chloe Thévenin, también conocida como Chloé, es un icono de la escena tecno francesa y es dj y productora de música electrónica desde 1990. Igualmente, cómoda componiendo música para películas (incluida la banda sonora de Paris la Blanche, de Lidia Terki), se ha ganado una sólida reputación en el panorama electrónico actual, al que permanece profundamente conectada. Esta colaboración con una artista que representa a una nueva generación de dj franceses, Warum, es un testimonio de esa conexión.

Warum

Warum es un dJ residente en Le Sucre de Lyon, donde comparte escenario regularmente con grandes artistas internacionales como el colombiano Kabinett, la leyenda francesa Gilb'r y el dúo Red Axes. Coleccionista, la artista francesa es radical y exigente. En sólo diez años ha reunido una colección intemporal que trasciende las fronteras de las discográficas. Muy implicada a escala local en la rica escena musical lionesa, ya ha hecho girar sus discos en salas como la Maison M, la Péniche Loupika, Le Sucre, Le Bellona, Le Terminal, le Paradox, etcétera, pero también más allá en París (le Pop Up du Label, la Felicita, le Mellotron, le Dizonord, y más, y en el extranjero (Jordania: Ammán e Israel: Tel Aviv/Haïfa/Jaffa).

Lazuli

En sólo dos años y dos EP (Zero, Cardio), Lazuli ha logrado una auténtica proeza: definir una identidad fuerte. Franco-chilena, quiere hacer del baile funk y del reguetón los géneros populares por excelencia. Comprometida con la composición espontánea, está obsesionada con la idea de crear ritmos que te hagan mover las caderas. Música que te ponga de buen humor.

Kareem Kalokoh

Nacido y criado en Atenas (Grecia), Kareem Kalokoh aporta una nueva perspectiva ateniense, auténtica y actual, nunca antes vista, transmitida por medio de la música y los visuales.

Gleb

La marca significativa de Gleb en sus temas es la narración de historias. Reflexiona sobre historias de la ciudad de Bratislava, donde saltó a la fama, los clubes y la vida en general, y las cuenta en su propio estilo y lenguaje, mano a mano con ritmos hechos específicamente para él por su propio productor. Su rap siempre trata de cosas que vio y ocurrieron realmente. Su estilo no se puede describir, pero se pueden encontrar inspiraciones de muchos géneros mezclados.

Valeria Castro

Valeria Castro es dueña de una voz sensible, frágil, propicia para el escalofrío. Su primer álbum Con cariño y con cuidado es una radiografía del alma formulada en primera persona; un ejercicio de autoestima y amor propio y, sobre todo, la constatación de que su firmante sólo sabe hablar de aquello que verdaderamente le concierne y conmueve. Nada de lo que canta y cuenta Valeria se comprendería sin todo su bagaje previo; sin el aliento de una tierra, una familia y un paisaje, sin la huella indeleble de su isla: La Palma. No canta sólo ella, a título particular: canta todo un pueblo, una manera de concebir la vida. Es la voz de la sinceridad y la esencia. Una garganta en carne viva.

Estamos ante un trabajo con un hilo conductor o una espina dorsal. Es el autorretrato de una muchacha isleña ultrasensible que se abre en canal y deja que nos asomemos a las entrañas mismas del alma. El testimonio, en primera persona del singular, de una joven que hace de su verdad el germen irrenunciable de su mensaje. La zona 0 de una confesión de empatía y sinceridad devastadoras.

Con tan sólo 24 años, Valeria Castro; el joven talento que años atrás Alejandro Sanz descubrió en Instagram y con quien después cantó en directo el “Corazón partío"”, ha dejado de ser una promesa para ser una realidad, sin duda una de las voces más prometedoras del mundo hispanohablante. Su primer LP será presentado en más de diez países, donde llenó  plazas tan importantes como Noches del Botánico, y cantó con artistas de la talla de Vetusta Morla, Silvana Estrada o Vicente García.

Sílvia Pérez Cruz

(Palafrugell, Girona, 1983) es una de las voces más sobrecogedoras que ha aparecido en los últimos tiempos; en palabras de Jorge Drexler, “una voz que marca una generación”. Es compositora además de cantante, y habla el lenguaje de la música desde que tiene uso de razón: creció entre canciones populares ibéricas y latinoamericanas, se educó en el clásico y el jazz. Contagiada por el flamenco por medio de una conexión que parece sobrenatural, canta de una forma que sólo es suya y estremece.

Sería imposible encuadrar a Sílvia Pérez Cruz en un solo estilo. Es versátil e inconfundiblemente personal. Dos cualidades que raramente coinciden, y en cambio a ella la definen. Es fiel a los diferentes estilos que aborda sin dejar de ser, en ningún momento, ella misma.

En 2022 recibió el prestigioso Premio Nacional de Músicas Actuales (otorgado por el Ministerio de Cultura) y el Premio Pop-Eye al Duende, ambos como reconocimiento a su trayectoria, además del Premio Pávez a Mejor Banda Sonora Original por su trabajo en el cortometraje Maruja (Berta García-Lacht, 2021). Participó además en el proyecto Territorios, compartido con Liliana Herrero y Maria Gadú.

El 21 de abril de 2023 se publicó el nuevo trabajo discográfico de la artista catalana, Toda la vida, un día (Sony Music). Un disco de composiciones originales que reivindica el valor de todas las etapas de la vida, se fija en los ciclos de la naturaleza, hace hincapié en la amistad de calidad, la lentitud y el canto colectivo. En él cuenta con la colaboración de artistas como Salvador Sobral, Liliana Herrero, Juan Quintero, Pepe Habichuela, Carmen Linares o Natalia Lafourcade, entre otros, para rubricar uno de sus álbumes más redondos e internacionales hasta la fecha.
2023 está siendo un año felizmente activo para Sílvia: además de la edición y gira de presentación de su nuevo disco ha participado en más de veinte conciertos como invitada especial en la gira europea de Damien Rice, y ha recuperado el proyecto Territorios en tres importantes y celebrados conciertos en Barcelona, Madrid y Cartagena.

Con todos los trabajos mencionados anteriormente, Sílvia ha girado de modo muy extenso por España, ha cantado en Cuba, Estados Unidos, Estonia, Bulgaria, Suecia, Dinamarca, Alemania, Argelia, Túnez, Bélgica, Holanda, Croacia, Hong Kong o Inglaterra, y ha visitado también con asiduidad Francia, Portugal, Noruega, Italia, Turquía, Argentina, Chile, Uruguay, México, Brasil o Japón, afianzando de este modo su cada vez más sólido recorrido internacional. Su gira de 2023 y 2024 hará hincapié en esta línea de desarrollo de su carrera fuera de España.

Website: www.silviaperezcruz.com
Facebook: https://www.facebook.com/silviaperezcruz/
Twitter: https://twitter.com/sperezcruz?lang=es
Instagram: https://www.instagram.com/silviaperezcruzzzzz/
YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCuGp-QCOQb_Ra4X5-hqGGAw