Ficciones. Narratividad en el arte contemporáneo explora la capacidad del arte de explicar historias y la forma en la que esos relatos se crean, se transmiten y se reciben. Presentada en el contexto de la FIL, el lugar donde el libro despliega todo su potencial transformador, la exposición permite indagar en la relación entre artes visuales y literatura, descubriendo en qué puntos ambas se cuestionan, complementan, amplían y desbordan.
Los trabajos de los artistas de la exposición nos explican historias que no son ni totalmente ciertas ni totalmente ficciones. Se sitúan en un espacio intermedio, en el que son imprescindibles la duda y la aceptación de la duda. Un lugar impreciso, pero todos reconocemos como existente. A partir de ahí desarrollan diferentes estrategias. Algunos, centran su atención en las palabras mismas, exprimiendo al máximo sus significados o sus articulaciones fonéticas. Otros, siguen las líneas marcadas por la ordenación de los contenidos narrativos y las realidades a la que se refieren, la construcción del discurso, la recepción por parte del espectador / lector, así como su implicación emocional y el efecto final de persuasión que todo este proceso puede haber tenido.
La reflexión sobre la construcción de nuestra percepción de la realidad atraviesa muchos de los trabajos que se incluyen en la exposición. En un momento en que nos hallamos en cámaras de eco, en la que sofisticados algoritmos informáticos deciden una buena parte de la información que recibimos, debemos preguntarnos cómo combinamos esos datos, múltiples y cuestionables, para articular un relato del mundo en el que vivimos, y de qué manera podemos reaccionar para ordenar todo aquello que recibimos de otro.

El proyecto mostrará más de un centenar de obras de artistas españoles de la década de los sesenta. 
La España de los años sesenta estuvo marcada por una fértil paradoja: el incipiente aperturismo político, derivado del fuerte desarrollo económico del que gozaba el país, hizo brotar cada vez más focos de resistencia al franquismo, lo que acabaría por socavar los cimientos de la dictadura en la década siguiente. Al calor de este clima de creciente oposición al régimen, floreció, desde 1962 y en el curso de diez años, una intensa experimentación artística que, partiendo de una noción expandida de la escritura, exploraría los modos de anudar el arte a la vida, y estos a la esfera social. 
De manera individual, nombres como los de Julio Campal, Ignacio Gómez de Liaño, Elena Asins, Julio Plaza, entre otros, o constituidos en agrupaciones (Problemática 63, grupo N:O., Zaj) realizaron un tipo de obras que juegan con la plasticidad del lenguaje, derramándolo sobre cualquier parcela de la experiencia (el espacio, el tiempo, el cuerpo, los objetos, la ciudad), con la intención de provocar concepciones no constreñidas de la lectura, hacer convivir todas las artes en torno a la poesía y, ante todo, reducir las distancias entre autor y espectador.
Jalonada por los acontecimientos históricos señalados, que nos hablan de una escalada en el enfrentamiento de la sociedad civil contra el gobierno, esta exposición da cuenta también del cariz político que va tomando en España esta escritura experimental y, de modo general, las artes conforme se acerque la muerte del dictador. La muestra recorre, en definitiva, una década en la que la escritura funcionó en España como un vector para el juego, el encuentro, el recorrido urbano, la música, la generación de nuevas formas y, sobre todo, la acción pública, poética y política.

Cada vez que comemos conectamos nuestro paladar a una multitud de lugares remotos: supermercados, invernaderos, granjas, almacenes, redes logísticas, cadenas de frío, vertederos... A pesar de su inmensa importancia, estas anodinas arquitecturas rara vez reciben la atención que merecen. Pero en un mundo donde lo molecular se torna tectónico, y donde cada bocado reverbera a lo largo y ancho del planeta, ahora más que nunca nos urge repensar nuestros sistemas alimentarios con sus implicaciones ecosistémicas en mente.

Al comer digerimos territorios. Foodscapes propone un viaje a las arquitecturas que alimentan el mundo: desde los laboratorios domésticos de nuestras cocinas hasta los vastos paisajes operacionales que nutren nuestras ciudades. En un momento en que los debates sobre energía son más pertinentes que nunca, la comida permanece en un segundo plano y, sin embargo, la manera en que la producimos, distribuimos y consumimos moviliza nuestras sociedades, moldea nuestras metrópolis y terraforma nuestras geografías de  un modo más radical que cualquier otra fuente energética.
 
A través de un proyecto audiovisual de cinco cortometrajes, y un archivo documental a modo de recetario total, Foodscapes explora el contexto agroarquitectónico español –motor alimentario de Europa– para analizar el presente de nuestros sistemas alimentarios y las arquitecturas que los construyen. Al hacerlo miramos hacia el futuro y nos preguntamos por otros modelos posibles, capaces de alimentar al mundo sin devorar el planeta.